“El arte impide que muramos de realidad”
Friedrich Nietzsche
“Arte es magia liberada de la mentira de ser verdad”
Teodoro Adorno
“El arte es una especie de impulso innato que se apodera de un ser humano y lo hace su instrumento. El verdadero artista no busca sus propios fines, sino que permite al arte realizar sus propios fines por su intermedio.”
Carl Gustav Jung
El arte contemporáneo es, en cierta forma, un gran equívoco. Al menos si se le considera desde la vertiente heredada por Marcel Duchamp, probablemente uno de los artistas con el mejor humor en la historia y también uno de los más inteligentes, gracias a lo cual fue capaz de hacer de un mingitorio una “obra maestra”. ¿Qué equívoco evidenció Duchamp con su pieza? Entre otros, que en la modernidad el arte se despojó poco a poco de su aura sublime para poder participar de la rueda del mercado. Con su gesto, Duchamp también señaló eso: que el arte es ya un objeto de consumo.
El “ready made” de Duchamp (la pieza que adquiere un carácter estético en su descontextualización) o la exaltación de los productos y la mercadotecnia con el trabajo estético de Warhol han sido durante décadas replicados, con algunas pocas variaciones, en el discurso creativo de miles de nuevos “artistas”. Este fenómeno que surge a partir de la ilusión creada por el sistema capitalista democrático que ha hecho que la mercadotecnia impregne al arte: “Ahora cualquiera puede ser artista.”
La tarea del público (nuestra taréa colectiva) al presenciar tal tragicomedia no es juzgar, sino tratar de comprender, no aumentar el descaro flagelando la pereza y controversia de las obras de arte, sino ver qué salió mal y deducir de eso una una visión más amplia sobre ese baile delicado de dar y recibir, de conexión y comprensión mutuas, eso es arte.
El arte es extraño, porque lidia con la novedad, con lo desconocido y lo trascendente, y el método común de tratar de encajarlo en el esquema “normal”de las cosas, ya sea domándolo o acosándolo, no puede tener éxito.
La vocación del artista, en cualquier medio, es hacerlo nuevo. No quiero decir que en lo contemporáneo el pasado sea repudiado; todo lo contrario, el pasado es reclamado. No se pierde con la autoridad, no se absorbe en un nivel de familiaridad. Se vuelve a establecer y se restablece en su vigor original. El verdadero artista está detrás del problema. El falso artista quiere que sea resuelto (por alguien más). Si el verdadero artista está conectado, entonces él o ella tiene mucho que darnos porque es la conexión lo que buscamos. Conexión con el pasado, el uno con el otro, con el mundo físico … Una imagen, un libro, una pieza de música, una pintura, una instalación, pueden recordarnos sentimientos, pensamientos, que ni siquiera sabíamos que habíamos olvidado.
No hay mandamientos en el arte ni axiomas fáciles para la apreciación del arte. “¿Me gusta esto?” Es la pregunta que alguien debería hacerse en el momento de la confrontación con la imagen. Pero si “sí”, ¿por qué “sí”? y si es “no”, ¿por qué “no”? La respuesta emocional directa obvia nunca es simple, y noventa y nueve veces de cada cien, el “sí” o el “no” no tienen nada que ver con la imagen en sí misma.
“No entiendo este poema”
“Nunca escucho música clásica”
“No me gusta esta foto”
Estas son declaraciones comunes pero no nos dicen nada sobre libros, pintura o música. Son declaraciones que nos dicen algo sobre el hablante. Eso debería ser obvio, pero, de hecho, tales declaraciones se ofrecen como críticas al arte, como evidencia en contra, sobre todo porque los ignorantes, los vagos o los simples confusos no quieren admitirse a sí mismos como tales.
Escuchamos mucho sobre la arrogancia del artista, pero nada sobre la arrogancia de la audiencia. La audiencia, que no ha hecho el trabajo, que no ha asumido ningún riesgo, cuya vida y sustento no están vinculados en todo momento con lo que están haciendo, que no han pensado en el medio o el método.
Cuando dices “Este trabajo no tiene nada que ver conmigo”. Cuando dices “Este trabajo es aburrido / sin sentido / tonto / oscuro / elitista, etc.”, es posible que tengas razón, porque estás mirando una moda pasajera, o podrías estar equivocado porque el trabajo cae tan fuera de la seguridad de tu propia experiencia que para mantener intacto tu propio mundo, debes negar el otro mundo de la pieza de arte.
Esta negación de la experiencia imaginativa ocurre en un nivel más profundo que nuestra afirmación de nuestro mundo cotidiano. Todos los días, de innumerables maneras, tú y yo nos convencemos de nosotros mismos. El verdadero arte, cuando nos sucede, desafía al “yo” que somos. La sólida presencia del arte exige de nosotros un esfuerzo significativo, un esfuerzo anatema para la cultura popular. El artista ha introducido en el arte el esfuerzo, el esfuerzo de dinero, el esfuerzo de estudio, el esfuerzo de la humildad y el esfuerzo de la imaginación.
El arte es una herramienta de la imaginación que puede sanar el cuerpo, quizá por que impulsa, en esencia, el florecimiento del espíritu y el objetivo de todo artista debe ser comunicar lo incomunicable a través del arte. Los artistas son los encargados de mostrar otras realidades – mundos dentro de este mundo- y de amplificar la percepción. En palabras de Paul Klee: “El arte no reproduce lo visible, lo hace visible”. Es nuestra labor otorgar una atención concentrada y renunciar a la pereza para recibir el mensaje.
¿Cuándo fue la última vez que viste algo, única y concentradamente? … Nos damos cuenta de que no somos muy buenos para mirar. El arte tiene ojos profundos y difíciles, y para muchos la mirada es demasiado insistente. Es mejor pretender que el arte es tonto, o al menos no tiene nada que decir que tenga sentido para nosotros. Si el arte, todo el arte, se preocupa por la verdad, entonces una sociedad en negación no encontrará mucho uso para ello … Evitamos encuentros dolorosos con el arte trivializándolo o familiarizándolo.
La persona promedio pasa 17 segundos mirando una obra de arte en un museo. Por lo general, toma mucho menos tiempo que eso para identificar una imagen. Pero ¿entendiéndolo? Eso requiere disminuir la velocidad y tomarse el tiempo para ver los detalles. Este tipo de reflexión profunda nos ayuda a ver que las cosas no siempre son lo que parecen a primera vista.
El arte de entender el arte es un proceso para mirar cuidadosamente y explorar una obra de arte en un nivel más profundo:
MIRA
El primer paso en el proceso de entender el arte, mirar, puede parecer bastante obvio. Pero es tan importante que vale la pena subrayarlo. Permite tomarte el tiempo para reducir la velocidad y mirar con cuidado. Colócate en frente para que puedas ver el trabajo de forma clara y cómoda.
OBSERVA
La observación es donde entra en juego la mirada cercana. La observación es un proceso activo, que requiere tiempo y atención. Es aquí donde el espectador comienza a construir un catálogo mental de los elementos visuales de la imagen.
VE
Mirar es un acto físico; ver es un proceso mental de percepción. Ver implica reconocer o conectar la información que los ojos captan con sus conocimientos y experiencias previas para crear significado. Esto requiere tiempo y atención.
DESCRIBE
Describir puede ayudarte a identificar y organizar tus pensamientos sobre lo que has visto. Puede ser útil pensar en describir como hacer un inventario cuidadoso. ¿Qué figuras, objetos y escenarios reconoces? Puedes comenzar el proceso identificando y describiendo los elementos de arte dentro de una composición.
ANALIZA
El análisis usa los detalles que identificaste en tus descripciones y aplica la razón para darle sentido. El análisis también es una oportunidad para considerar cómo las figuras, objetos y configuraciones que identificaste en tu descripción encajan para contar una historia.
INTERPRETA
La interpretación, el paso final en el proceso de entender el arte, combina nuestras descripciones y análisis con nuestro conocimiento previo y cualquier información que tengamos sobre el artista y el trabajo. La interpretación nos permite sacar conclusiones sobre la imagen.
MIRA DE CERCA
Mirar y ver son lo mismo, ¿verdad? ¿Cuál es la diferencia entre estas dos acciones? Si la literatura visual es la capacidad de leer, escribir y comprender el lenguaje visual, entonces mirar una imagen es similar a rozar un texto mientras ver una imagen es comparable a leerla.
Piénsalo de esta manera. Alguien que simplemente está mirando solo está captando ciertos elementos de una imagen. Es superficial. Ver, entonces, es recoger todos los elementos de una imagen. Es completo.
Entonces, ¿cómo pasa alguien de mirar una imagen a verla por completo? A medida que empieces a reducir la velocidad y mirar más de cerca, comenzarás a tomar nota de los diferentes elementos en la imagen. Esto se llama observación, el proceso de construir un catálogo de elementos visuales, y es el puente entre mirar y ver.
DESCRIBE LO QUE VES
Piensa en describir como hacer un inventario cuidadoso de lo que ves. Para tomar el “inventario” de una imagen, es útil conocer el lenguaje utilizado para describir las obras de arte. Los componentes básicos del lenguaje formal son los Elementos del Arte y los Principios del Diseño.
Elementos del arte
Color
Espacio
Formas
Líneas
Textura
Principios de diseño
Armonía
Balance
Variedad
Énfasis
Movimiento
Proporción
Ritmo
ANALIZAR
El análisis usa los detalles que identificaste en tu descripción y les aplica una razón en un esfuerzo por interpretar la imagen. Esta es una oportunidad para pensar cómo las figuras, los objetos y los entornos se unen para contar una historia.
Existen diferentes métodos para analizar una imagen: piensa en ellos como diferentes pares de lentes que te ayudarán a criticar una obra de arte desde un punto de vista particular. Una vez que se han absorbido los detalles, se prepara una imagen para su análisis a través de cuatro lentes diferentes:
-Formas
-Símbolos
-Ideas
-Sentido
Las imágenes transmiten significado a través de los Elementos del Arte y los Principios del Diseño. La composición es la disposición de los Elementos del Arte y los Principios del Diseño.
Los símbolos: cosas que tienen significado por asociación o que representan otra cosa, son una parte poderosa de cómo entendemos el mundo visual. Reconocemos símbolos al invocar el conocimiento personal adquirido a través de la memoria y la experiencia vivida.
Ideas: la cultura y la historia influyen en cómo y qué vemos. Gran parte de nuestra reacción a una imagen depende del contexto en que la vemos. ¿Qué estaba tratando de transmitir el creador de imágenes y cómo se relaciona esto con el momento y el lugar en el que se creó la imagen? Del mismo modo, ¿cómo los valores y creencias de nuestra propia sociedad moldean nuestra comprensión de una imagen?
Significado: con el cuarto método de análisis, comenzamos a comprender el propósito de la obra de arte, descubrimos el significado pretendido por el artista y ampliamos el número de otros significados basados en la composición, memoria, experiencias de vida, historia, cultura, etc.
INTERPRETACIÓN
La interpretación ocurre cuando fusionamos las lentes de Forma, Símbolos, Ideas y Significado. Ser alfabetizado visualmente o “hablar visualmente” significa que te das cuenta de estos factores y eres capaz de desafiarte a ti mismo para no solo entender lo que estás viendo, sino para preguntarte por qué lo ves de la manera en que lo haces.
Con info de: Varujan Boghosian
